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#FavouriteFriday – Musikimport

Natasha, Pierre & the Great Comet of 1812

Wenn ich meinen Soundtrack des Sommers beschreiben müsste, würde ich sagen: Natasha, Pierre & the Great Comet, Hunchback of Notre-Dame und Georgia Stitt gewürzt mit einer großen Prise Dear Evan Hansen und “One Day” aus Groundhog Day.

Ich habe mich während der Off-Broadway-Spielzeit nicht besonders für Natasha, Pierre & the Great Comet of 1812 interessiert – zum großen Teil, weil ich einfach nicht wusste, was sich hinter diesem Titel verbrigt. (Schuldig im Sinne der Anklage!) Und dann hat’s mich auf meiner Fahrt aus Wiesbaden nach Berlin einfach eingeholt.

Wenn ich ganz ehrlich bin, gewinnt der Score schon in dem Moment, in dem man mir als erste gesungene Worte des Stücks “There’s a war going on out there somewhere – and Andrej isn’t here” präsentiert. Like: Ok, I don’t know anything about Andrej, but apparently he isn’t here” – das ist schon wieder ganz mein Humor. Was sich im Anschluss an diese Zeile entfaltet, ist quasi eine Tolstoi-Extravaganza: Es wird Krieg und Frieden, das Monster-Werk der russischen Literatur, verhandelt (“It’s a complicated Russian novel, everyone has got nine different names” – auch hier wieder: mein Humor). Es wird viel gelitten, euphorisch geliebt und dramatisch intrigiert.

Neulich habe ich in diesem Artikel in der New York Times gelesen, dass The Great Comet eindeutig auf der Bühne besser sei als auf CD, und das glaube ich tatsächlich auch – zumal ich vergangenen Sommer Rachel Chavkin’s Inszenierung Hadestown am New York Theatre Workshop habe sehen können und ihre Arbeiten anscheinend gern die traditionelle Trennung von Bühnen- und Zuschauerraum auflösen. Wenn ich mir jetzt quasi versuche, Hadestown in den Dimensionen des Imperial Theatre mit weniger antik-griechischem, dafür mehr 19. Jahrhundert-russischem Drama vorzustellen – HALLELUJA, YES PLEASE!

Dennoch finde ich die CD auch ohne Bühnenspektakel ganz ganz großartig, man kann sie tatsächlich auch gut beim Sport hören (und wenn wir Showtunes-Kinder ehrlich sind, ist das das einzige, was zählt…kleiner Scherz) und “Dust and Ashes”, in dem Pierre seine Suche nach dem Sinn des Lebens artikuliert, hat schon einmal dafür gesorgt, dass ich vor dem Konservenregal im Edeka anfangen musste zu weinen (das ist KEIN Scherz).

der beste Einstieg: man mag es kaum glauben, aber es ist tatsächlich der Prolog.
Was man unbedingt hören muss, wenn man keine zwei Stunden Zeit es, es einmal komplett zu hören: Natasha & Bolkonskys, Dust and Ashes, The Ball, Letters, Preparations, Pierre & Natasha
die Nebenwirkungen: man will irgendwie dann plötzlich “Krieg und Frieden” lesen – ich ‘musste’ zumindest in meinem Urlaub an der Mecklenburgischen Seenplatte die neue deutsche Übersetzung kaufen. Nur leider schlafe ich immer ein.

8 more things I’ve learned from Berlin’s Next to Normal

(after re-visiting this production) Read my original 10 things I’ve learned from Berlin’s Next to Normal here: English / Deutsch Here come the new 10 things I’ve learned – in no particular order…..

1. Chemistry between folks is EVERYTHING! I’d rather not comment any further on this one, but boy! This Natalie I saw last Friday (which wasn’t Devi-Ananda Dahm as on opening night, but the other Natalie Sophia Euskirchen) got some serious skills and intensity! And then again – chemistry!

2. Advertising something the right way is so important. You simply cannot imagine how often I heard “Do they sing?” or “Is that with people singing?” or “Wait….that’s a MUSICAL?!”. That might be happening because Ithe Renaissance Theater isn’t normally a place for straight musicals – which also might be the reason the production turned out the way it is. It’s for small-ish revues with songs in them, evenings with songs (“Liederabend”) and it’s for plays with kind of famous-ish actors. The people sitting next to me went home during intermission after he was like “Wait….it’s a Musical!?” right before curtain, probably when he spotted the band. Plus the theatre was half empty on a Friday night.

3. Musical Directing is a serious thing when it comes to a musical. You really should do that. It’s not always “The loudest one wins”.

4. Large groups of middle aged women on some kind of “Ladies’ Night Excursion” are NOT a good idea as audience members. Right after “Just another day” which Diana has her meltdown after juggeling (not literally, though!) all these breakfast supplies including Cornfalkes one of these ladies said – very loud and clear: “And where’s the milk?” And probably thought it was super-mega-funny. And I was like: Is this your problem right now?

5. People grow. Not literally. I mean Dennis Hupka as Gabe was good(man – haha!) on opening night, but now after 1.5 months of performances he owns this. Also Jan-Philipp Rekeszus as Henry was super cool and again….this chemistry with the Nathalie of the night….During “A Promise” I usually am more interested in the story of Diana and Dan, but they made it their story, all about them, the youth, about giving a story a different turn. So: Yay, young people!

6. One thing I’ve come across a lot in my life as a theatre person focussing on musical theatre when talking to people mostly dealing with plays and/or performance only, was them saying: “You know, these actors, singers, whatever – when singing they look not natural. They look like they are just passing various stations they were told. They are weird.” Luckily I think the training of young singers for musical theatre of any kind as somehow evolved in the direction of acknowledging the acting part of musical theatre. Right now in this production of Next to Normal there are two actors with no (not to much) musical theatre background. Guntbert Warns (whom I’ve talked about in the last article…) and Matthias Freihof who is subbing for Felix Martin as Dianas doctors until the end of the week. The funny thing is, that these two usually do all these singers’ cliché poses much more than those who are actually trained singers. 🙂 – on that note: Good job, singers!

7. I realized once again that this whole story/musical itself – at least to me – evolves around a line Dan sings pretty late during the first part: in “You don’t know” he sings Can you tell me what it is you’re afraid of? and btw. I also really LOVE the German version of this line (“Kannst du sagen, was es ist, das dir Angst macht?”). Not being able to talk about things is the key to most of the things dealt with in this show and apparently it is something Nathalie learned at home (not really talking about problems and thoughts, but rather shut people out), which causes all these numbers titled “Hey” in the second act sung by Henry who refuses to be shut out. When this line (“Can you tell me….”) works, when you get the urge to make things kind of alright, when you are touched by this line – the whole production is going to work.

8. I’m still not over most of the things I’ve pointed out right after seeing it on opening night. I still get really worked up about certain things. And by really I mean REALLY!

Vielleicht können wir zu dritt glücklich sein.

Sorry, English speaking folks! Once more a German-only post….
Nach dem gestrigen #MusicMonday zum Thema “Lotte in Wetzlar” kommen hier nun meine Gedanken zu meinem Freilichtabend in Wetzlar vor anderthalb Wochen.

Disclaimer: Ich weiß auch nicht, warum ich die ganze Zeit so bissig bin. #sorrynotsorry

Vor anderthalb Wochen während meiner latent absurden “4 Städte in 4 Tagen”-Reise war auch einer der Zwischenstops die deutsche Stadt mit dem wunderbare deutschen Namen Wetzlar, wo ich das neue (deutsche) Musical “Lotte” (Buch u. Liedtexte: Kevin Schroeder, Musik: Marian Lux, dramaturgische Mitentwicklung u. Regie: Christoph Drewitz) ansehen konnte.

Als die drei Herren der Schöpfung (haha, Witz!) samt Oliver Arno (Werther) und Anne Hoth (Lotte) bei der letzten Ausgabe der Schreibmaschine in Berlin ein paar Songs vorgestellt haben, waren genau diese Stücke bei uns noch Tage später Thema. Ich meine mich an WhatsApp-Nachrichten zu erinnern, die lediglich “O M G Lotte!!” hießen. (more…)

Maybe This Time … Reflexionen zum Bad Hersfelder Cabaret

Disclaimer: Das hier ist keine Theaterkritik im herkömmlichen Sinne. Finde ich jedenfalls.

Wer mir auf anderen Social-Media-Kanälen folgt weiß, dass ich einen Hashtag meiner wunderbaren Twitter-Bekanntschaft @lippunermarc zu Cabaret-Inszenierung, die seit gefühlten 20 Jahren jeden Sommer in Berlin läuft, gewissermaßen entführt habe. Und zwar nach Hessen. Weil es dort zum allerersten Mal in meinem (Theater-)Leben hieß: Get ready to #Bjängvenü!

Ich habe nämlich eine kleine Tingelreise, die ich eh vorhatte (Ludwigsburgs – Stuttgart – Wetzlar), um einen Stop erweitert und bin von Wetzlar fast drei Stunden lang in Regionalzügen inklusive 50 Minuten Aufenthalt im sonntäglich verschlafenen Fulda nach Bad Hersfeld weitergefahren, eben um mir nun also die erste Cabaret-Inszenierung meines Lebens anzugucken (fragt mich nicht, warum ich die in Berlin noch nie gesehen hab!) und damit auch noch eine Arbeit des Regisseurs zu sehen, in dessen “Hair”-Produktion ich in der nächsten Spielzeit kurz vor meiner Masterarbeit als Dramaturgiehospitantin rumspringen werde.

Schon im Vorfeld war ich von den Bildern der Produktion begeistert und habe mal wieder sämtliche Klischees, die es vielleicht zu mir gibt, bestätigt: Gebt Lisanne etwas, in dem Gender-Bending eine Rolle spielt und/oder Geschlechterrollen flexibel ausgelegt werden, und Lisanne findet es großartig! Genau, so vorhersehbar bin ich.

Und die flexible Gestaltung von Geschlechtern und Geschlechtsidentitäten ist hier Programm bis ins Innerste der Inszenierung. Wahrscheinlich, aber das ist reine Spekulation, weil ich das Stück als Stück nicht gut genug kenne, liegt die flexible Handhabung von Rollen und Rollenbildern schon im Stück begründet – das ist auch eine ganz andere Geschichte, auf die wir später kommen….

Das fängt bei der offensichtlich etwas unkonventionellen Besetzung des Conférenciers mit Helen Schneider an und zieht sich durch die immer wieder changierenden Erscheinungen der Kit-Kat-Boys und -Girls, bei “Mein Herr” sind die Boys gewissermaßen (und etwas eindeutig) halb-halb – bis hin zu Sally, die sich zum Teil in einer Art permanenten Travestie befindet, wenn sie alles, was sie trägt, einfach über ihren Club-/Arbeits-/Cabaret-Dress zieht und dabei alle althergebrachten (Geschlechter-)Konventionen hinter sich lässt: Cliffs Klamotten? Yes, please! Riesiger, weißer (hoffentlich Kunst-)Pelz? Yes. Ein ‘normales’ Kleid samt Hut für die Verlobungsfeier von Fräulein Schneider und Herrn Schultz? YES, aber auf jeden Fall mit ‘passendem’ Makeup, sondern mit den gewohnten, schwarz überschminkten Augen, die auch zu allen anderen Kostümen da sind.

Und genau dieses Changieren, dieser Shift ist es, was auch sonst die Grundlage dieser Produktion zu sein scheint: Dinge bewegen sich leicht und leise in aus der Konvention und dem Erwartbaren hinaus, gewissermaßen aus dem Rahmen, testen über weite Strecken die Regeln und Konventionen des “deutschen Sommertheaters” aus und überschreiten sie. So schleicht sich auch die Nazi-Thematik ein. Alles ist Fun and Games, Sally kommentiert trocken ein Buch, das sie bei Cliff findet: “Mein Kampf. Uhhh, das ist ja deutsch, wie langweilig!” (aus dem Kopf, wahrscheinlich ein bisschen anders…) und dann wird das politisch-zeitliche Kolorit kaum mehr erwähnt bis das sonst häufig gestrichene Meeskite von Herrn Schultz gesungen wird, Ernst wiederum seine “Travestie” auflöst, ein Kleidungsstück auszieht und die Nazi-Uniform drunter ist – und kurz danach eine komplette Hakenkreuzflagge ausgerollt wird, bevor das Publikum in die Pause geschickt wird.

(hier schon einmal eine kurze Applauspause, dass sich hier gegen die beliebte Haltung des “Fun and Games” im Sommertheater entschieden wurde und für die gewählte Drastik des deutlichen Hakenkreuz-Banners!)

Auf einer anderen Ebene wird hier auch immer weiter (auch stückbedingt) das Vorgehen in einem Nachtclub pervertiert, “Normal” reicht nicht mehr, im Laufe des Abends wird das Spiel mit den (Gender-)Grenzen immer größer. Statt des vor allem in den 20er und 30er Jahren sehr beliebten Kribbels des Uneindeutigen und in Nachtclubzusammenhängen vor allem der Frau-zu-Mann-Travestie bzw. der Androgynität bzw. der Frauen, die dezitiert Männlichkeit performen, wird dieses Konzept innerhalb bestimmter Grenzen pervertiert und ad absurdum geführt: Ein Goriller tanzt im Kit-Kat-Club, Tänzer_innen als Charles de Gaulle und Winston Churchill maskiert tanzen um Geld und Reichtum, und schließlich eskaliert alles, als Sally (nachdem Bettina Mönch, die Bad Hersfelder Sally, ein grandioses Maybe this time hingelegt hat!) im Rausch zurückkehrt in den Kit-Kat-Club, die Schwangerschaft abbricht und zum Schluss – soweit von Fun and Games entfernt wie nur irgendmöglich – zwischen den leuchtenden Lettern B E R L I N auf der obersten Ebene des Bühnenbild-Karussels steht und uns ihr Ende, das Ende der Figur Sally Bowles, erzählt.

Der “Temperatur”-Shift deutet sich an und übernimmt dann die Kontrolle, ohne dass man es sofort bemerkt – und die Inszenierung geht auf diese Stück”vorgabe”/-lesart ein, feinfühlig und gibt uns als Zuschauer die Möglichkeit, uns immer wieder zu fragen: Wie sind wir hierher gekommen?! (und damit meine ich nicht in die Stiftsruine – zu Fuß) Die zweite große Leistung der Inszenierung, aber auch des Bühnenbilds, ist die Konzentrierung des Geschehens auf kleinsten Raum.

Vor der Vorstellung las ich im Programmheft ein Statement von Gil Mehmert, in dem er meinte, dass Cabaret sich mit der Zeit immer mehr “zum Kammerstück” entwickelt habe. Ich sah auf die Bühne, die in der Stiftsruine ja gigantisch und weitläufig ist (so sehr, dass ich immer an Schlingensief denken musste und zwar an seinen Inszenierungsbericht zum Parsifal, Stichwort: Parsifal steht hinten und winkt.), sah wieder ins Programmheft, schaute nach ob ich an dem Satz irgendetwas falsch verstanden hatte, und dachte mir kurz und sehr gemein, wie ich manchmal bin: Ha, “Kammerspiel” scheint ein dehnbarer Begriff zu sein.

Nun gut, der Witz ging auf mich, und vor allem im zweiten Teil ist der Sog, mit dem die Inszenierung das Stück und die Zuschauer_innen miteinander verzwirbelt, so stark, dass man sich auch hier immer wieder fragt: Wir sind wir hierher gekommen? Wir vergessen, wie groß die Bühne ist, sein kann, sein könnte (!) und nehmen nur diesen Raum an als Bühne, der Rest verschwindet.

Was ich mit all dem eigentlich sagen will: Gil Mehmert zeigt uns hier, dass das Stück mehr ist als Nervenkitzel des Betrachters Menschen beim Aufstieg und Fall mit dem Verruchten der späten 20er/frühen 30er Jahre gepaart vorzuführen. Stattdessen wird uns als Zuschauer die Möglichkeit gegeben, die Frage zu stellen, die 15 Jahre nach dem Setting des Musicals Deutschland prägen wird.

Wie sind wir hierher gekommen?

10 Dinge, die mir die Berliner Next to Normal-Produktion (über mich) beigebracht hat

There’s also an English version of this article which can be found by clicking here – English!

  1. Wenn man Teile der Übersetzung nicht mag und sie deshalb ändert, sollte man sie wirklich zum Besseren ändern. Es ist total okay, wenn man Dinge nicht mag, auch (und vielleicht sogar vor allem) auf diese Übersetzung bezogen – wie ich ja auch schon mehrfach erwähnt hab. Und Änderungen sind auch super – sofern man immer auch die Einwilligung des Originalautors der (deutschen) Textfassung einholt, falls es sehr einschneidende Änderungen sind oder mehr als eine bestimmte Prozentzahl des Texts geändert wird (Urheberrechtsseminare, juhuu!). Andererseits ist es nicht okay, Dinge einfach nur zu ändern, weil man sie ändern möchte – man muss eine wirklich bessere Idee haben. Wenn man sich unsicher ist, ob die Idee wirklich besser ist, kann man den_die Dramaturg_in fragen.
  1. Man kann demselben Regisseur in einigen Punkten sehr zustimmen und in anderen Punkten so sehr anderer Meinung sein. Okay, das hab ich vorher gewusst – es wäre verstörend, wenn nicht, aber kaum eine (Musical)Produktion in den letzten Jahren hat mir das so deutlich gezeigt. Als ich vor knapp zwei Jahren nach Fürth gefahren bin, um mir damals die erste deutschsprachige Produktion von Next to Normal anzusehen, war ich irgendwie enttäuscht davon, wie Gabe in dieser Inszenierung zu sehen war. Für mich ist Gabe nicht der coole, liebenswerte Traumsohn. Für mich ist er böse. Sehr, sehr böse. Ich meine, wenn Diana ihre Familie verlässt, wendet er sich – als Figur jedenfalls, was das psychologisch für eine Art Traumaübertragung ist, ist eine ganz andere Geschichte – Dan zu. Wenn ich eine Produktion von Next to Normal betreuen müsste….nun gut. Thorsten Fischer, der Regisseur der Berliner Inszenierung, stellt hier Gabe wenigstens irgendwie diabolisch, ambivalent und ja, auch böse, zorning und manchmal geradezu bockig vor – was ich sehr mochte. Viele andere Dinge aber, haben mich sehr geärgert, was mich zum nächsten Punkt bringt….
  1. Kümmere dich um deine (Schau-)Spieler. Wer glaubt an einen seltsamen Zufall, dass fast keine Kritik (keine, die ich gelesen hab, jedenfalls…) über Guntbert Warns schreibt? Die Menschen, die in Berlin über Musical schreiben, scheinen einen stillen Pakt geschlossen zu haben und zu versuchen, negative Stimmen über bestimmte Mitglieder der Besetzung zu vermeiden. Das tue ich auch, es gibt mir verhältnismäßig wenig, zu schreiben: DU BIST SCHLEEEEEEEEEECHT! Allerdings: Es ist schlecht. Als ich neulich erst wieder die Broadway-Aufnahme des Stücks gehört hab, ist mir einmal mehr aufgefallen, was für eine musikalisch schöne und (NATÜRLICH!) bedeutungsvolle Partie Dan ist. Herr Warns bringt es da – leider – einfach nicht. Es wird ziemlich viel gesprochen, parlando oder rezitativisch fällt einem da zuerst ein, wenn man über seinen Gesang nachdenkt, und dann leider nur noch schlechter Gesang, was die Inszenierungen auf verschiedene Arten unterwandert. Ich habe irgendwann angefangen, das Musical Next to Normal in seinem Genre anzuzweifeln (so weit muss es erst einmal kommen!): Warum singt jemand, wenn er offensichtlich sehr viel besser sprechen kann? Wie „unnatürlich“ ist denn Musiktheater bitte? Und zumindest in der Premiere hat er für mich so unsicher und ‚unbehaglich’ (das ist ein doofes Wort, aber im englischen Original des Artikels steht uncomfortable, das ist es) gewirkt, dass ich mich wirklich gefragt habe, warum Diana Dan nicht schon viel früher verlässt. Wie auch immer, ich möchte jetzt hier nicht über Guntbert Warns ablästern oder ihn ‚mobben’. Es ist nämlich nicht seine Schuld, dass er für eine Rolle besetzt wurde, die er (stimmlich) nicht erfüllen kann. Der Regisseur und das Creative Team haben ihn besetzt. Ich glaube wirklich daran, dass man sich als Creative Team nicht nur um die Inszenierung kümmern muss, sondern auch um die (Schau-)Spieler. Und manchmal muss man sie beschützen.
  1. Wenn man ein Musical inszeniert/in den Spielplan nimmt, sag nicht, es sei ein „Schauspiel mit Musik“. Einfach nein. Vor allem nicht mit einem Stück wie Next to Normal. Und das merkt man, wenn man dem Score einmal richtig zuhört: Musik und Handlung und Dianas Geisteszustand sind hier musikalisch so sehr verschmolzen, dass es nicht mehr lustig ist. Und die E-Gitarre bei „Wish I was here“ / „Wär ich nur da“ ist da nur der Anfang….Spiel und Musik sind hier ungefähr so verstrickt wie Text und Musik bei Cole Porter Songs. Deshalb sind die auch so eine Bitch zu übersetzen. Aber das ist eine andere Geschichte.
  1. Ähnlich wie Nr. 4: Nur weil man einen Song nicht mag, heißt das nicht, dass man da durchhuschen muss („Song of Forgetting“ / „Lied vom Vergessen“, von dir rede ich – wann genau denkt Diana da nach und gräbt nach ihren Erinnerungen?)
  1. Angenommen man trifft eine künstlerische Entscheidung. Angenommen man mag das optimistische, ‚helle’ Ende nicht, das durch „Light“ / „Licht“ nahegelegt wird. Wie großartig wäre es dann zu dieser Entscheidung zu stehen? Die Spieler eine seltsame und …. unpassende Pose einnehmen zu lassen (so eine seltsame Pärchen-Pose, in der sie sich mit dem Rücken gegen seine Vorderseite lehnt und sich in seine Arme drapiert, ist doch unangebracht für eine Vater-Tochter-Kombo, oder?), dann Black für bestimmt 5 bis 10 Sekunden, alle klatschen, denken es ist zu Ende (weil: so wurde die Pause auch schon eingeläutet, plötzliches Black), dann geht das Licht wieder an und „Licht“ wird gesungen als eine Art Epilog. Was ist das? Brecht im Sinne von „Haha, wir können uns von uns selbst distanzieren?“, ein Hinweis, dass das alles „nur Theater“ ist? Das Ende vor dem Black war stark und berührend und verstörend und fast schon ein fieser Tritt in die Magengegend und dann – BOOM – haha, nur Spaß oder was? Ich bin mir verhältnismäßig sicher, man hätte vielleicht mit den Rechteinhabern eine Lösung finden können und dann hätte die (wahrscheinlich) ursprüngliche Idee auch so stattfinden können….obwohl….nun ja…..
  1. Wenn man besetzt, sollte man darüber nachdenken, wie die Stimmen mit einander harmonieren bzw. sich mischen. Bei manchen Entscheidungen hier denkt man WTF (s. Nr. 3) und bei anderen fragte man sich nur WARUM diese KOMBINATION? (wir machen keine one-(wo)man-show, auch nicht zwei, drei parallel, auch kein Sing-Off, sondern Theater!)
  1. Diana ist keine besonders stabile Person. Dass sie die Zeile „Bin kein Soziopath“ singt, weißt – jedenfalls für mich – darauf hin, dass sie eigentlich einer ist. Sie hat Probleme damit, das Verhalten anderer zu analysieren und entsprechend darauf zu reagieren – das lernen wir schon ganz am Anfang bei ihrem ersten Dialog mit Nathalie und eigentlich das ganze „Wie an jedem Tag“ hindurch. Sie liest ziemlich viel von dem Verhalten anderer als Sex-Anspielungen („Mein Arzt, die Psychopharmaka und ich“….) und meiner Meinung nach sind diese „Witze“, die daraus entstehen, sehr viel kraftvoller und verstörender, wenn man als Zuschauer das Verhalten des Arztes als vieles, aber keinesfalls als sexuell lesen kann. Weil es dann nicht nur so ist, dass man sich als Zuschauer freut, dass der Sex-Witz jetzt ENDLICH durchs Ziel gelaufen ist, nachdem man ihn schon eine Minute lang hat kommen sehen (that’s what she said, Lisanne!).
  1. Nichts wirklich Neues: Ich MUSS einfach mit Musicals arbeiten, wenn ich mal eine wirklich ausgewachsene Dramaturgin bin. Musical hat die Kraft mich ewig zu beschäftigen. Und auch die Inszenierungen selbiger. Vor allem die. (Mag mich jemand einstellen?….kleiner Scherz….)
  1. Nichts wirklich Neues Teil 2, aber es hat mich dennoch mal wieder richtig erwischt: Ich kann so aufgeregt sein FÜR andere Menschen. Für mich selbst so lala, aber für andere ALL THE WAY. Ich war ein Wrack.

Warum nicht leben?!

(sorry, no English version today, because I’ll like a newspaper article from a German newspaper)

Das ist der Titel eines kleinen Films, den eine Freundin von mir gemacht hat und den ich neulich endlich einmal angesehen habe. Und eigentlich ist der das genaue Gegenteil dieses Posts hier, der mit Sterben zu tun hat.

Eigentlich ist ein Parameter des (beruflichen) Erwachsenwerdens, dass Menschen sterben, die man gekannt hat. Deren Inszenierungen man gesehen hat, die man auf Bühnen erlebt hat und mit denen man vielleicht zusammengearbeitet hat. Und auch in der Familie heißt Erwachsenwerden, dass man so alt ist, dass andere Menschen noch älter sind, dass sie sterben. Und das ist traurig.

Am Montag gab das GRIPS Theater, in dem ich damals mit 18 Jahren meine erste Dramaturgiehospitanz anfing, ein Jahr später folgte eine zweite, dann eine Assistenz und dann eine Regieassistenz, bekannt, dass Franziska Steiof, eine für das Haus sehr wichtige Regisseurin und Theatermacherin vor inzwischen knapp einer Woche aus dem Leben gegangen sei. Ich hatte leider nie das Glück, mit ihr zusammenzuarbeiten, zweimal aber parallel mit ihr am Haus zu sein und ich habe inzwischen einige ihrer Arbeiten gesehen. Die, die mich im Nachhinein am meisten beeindruckt hat, war Rosa – eine Art Biographie-Musical über Rosa Luxemburg, das mich so geprägt hat, dass ich inzwischen die Gesamtausgabe von Rosas Briefen besitze und ein von ihr geprägtes Theaterstück schrieb vor zwei Jahren (lasst uns darüber lieber nicht mehr reden). Ebenso ist es aber auch mit So Lonely, in dem sie dieser ersten Liebe (vor allem des Jungen) eine so beeindruckende Materialität gibt, dass es auf der leeren Bühne des Saals im Podewil gleichzeitig unendlich erdrückend und erhebend ist.

Das letzte Mal, dass ich über sie etwas gehört habe, fand Anfang Dezember am Telefon statt. Eine Kollegin, die ich eine Woche später in Kiel treffen sollte, rief mich an und sagte, dass Franziska, die uns einen Workshop zu analytischer Fragetechnik geben sollte, aus privaten Gründen abgesagt habe. Ich kann mich erinnern, dass ich mich allein über die Erwähnung des Namens in meiner 22jährigen Naivität sehr gefreut habe (“Haha! Den Namen kenn’ ich!”) und als ich dann die Gründe für die Absage erfahren habe, war ich natürlich betroffen.

Nun ist also auch Franziska von uns gegangen.

Lasst uns hoffen, dass es wieder solche Regisseurinnen geben wird, die auf eine Art politisch sind, ohne Hammer und ohne Hau-drauf-Mentalität.

In deren Inszenierungen es auf eine angenehme Art um Menschen geht, um ihre Probleme und ihre Politizität.

Und weil andere Menschen sehr viel besser sind im Nachruf-Schreiben als ich, verlinke ich euch den Nachruf von Ulrich Seidler in der Berliner Zeitung hier.